야스히토 가와사키 전시, 서울·부산서 만나는 현대적 우화

 푸른 빛을 띤 곰 캐릭터가 전시장 곳곳에서 관람객을 맞이하지만, 이번 전시가 전하고자 하는 본질은 단순한 시각적 귀여움에 머물지 않는다. 리나갤러리 서울과 부산에서 동시에 진행 중인 야스히토 가와사키의 개인전 'Blue Blue Bear and Green, Blue Blue Bear and Sea'는 블루 베어라는 매개체를 통해 자연의 소유권에 대한 근원적인 물음을 던진다. 작가는 인간 중심적인 사고방식에서 벗어나 우리가 숨 쉬는 초록의 숲과 푸른 바다가 과연 누구의 것인지에 대해 성찰할 것을 권유한다.

 

그동안 우리 사회는 야생 곰이 인간의 거주지에 나타나는 사건을 '침범'이라는 단어로 규정하며 경계해 왔다. 하지만 야스히토 가와사키는 이번 전시를 통해 이러한 익숙한 서사의 방향을 완전히 뒤바꾼다. 곰이 인간의 영역을 침범한 것이 아니라, 인간이 끝없는 욕망으로 자연의 경계를 먼저 밀어내고 그들의 삶의 터전을 빼앗은 것은 아닌지 되묻는 방식이다. 작품 속 블루 베어의 무표정한 얼굴은 이러한 인간의 이기심을 조용히 응시하는 듯한 묘한 긴장감을 자아낸다.

 


전시 공간은 회화와 세라믹 작품들이 어우러져 마치 한 편의 현대적 우화를 읽는 듯한 분위기를 조성한다. 작품 속에 등장하는 사과와 새, 소년과 소녀, 그리고 호랑이 같은 요소들은 특정한 의미에 고정되지 않은 채 관람객 개개인의 감각과 기억을 자극하는 다층적인 상징물로 기능한다. 관람객들은 정교하게 빚어진 세라믹의 질감과 회화의 색채 사이를 거닐며 작가가 구축한 독특한 예술 세계 속으로 자연스럽게 빠져들게 된다.

 

작가의 페르소나이기도 한 블루 베어는 관람객이 스스로를 투영할 수 있는 일종의 빈자리와 같다. 이 푸른 곰은 때로는 관찰자로, 때로는 피해자로 모습을 바꾸며 인간과 자연 사이의 위태로운 경계선을 탐색한다. 처음에는 캐릭터의 매력에 이끌려 작품 앞에 섰던 이들도, 시간이 흐를수록 블루 베어의 눈동자에 비친 자신의 모습을 발견하며 인간이 자연에 가한 유무형의 폭력에 대해 고민하게 되는 독특한 감상 경험을 하게 된다.

 


야스히토 가와사키는 이번 전시를 위해 자연물과 인공물의 조화를 시각적으로 구현하는 데 공을 들였다. 갤러리 내부에 배치된 작품들은 서로 유기적인 관계를 맺으며 자연은 결코 인간의 소유물이 될 수 없다는 메시지를 일관되게 전달한다. 작가는 예술이 사회적 문제를 직접적으로 해결할 수는 없지만, 적어도 우리가 당연하게 여겼던 권리들에 대해 의문을 갖게 만드는 강력한 힘이 있음을 이번 개인전을 통해 다시 한번 입증해 보였다.

 

서울 논현로에 위치한 리나갤러리 서울에서 열리는 이번 전시는 오는 7월 11일까지 관람객들을 맞이할 예정이다. 도심 한복판에서 만나는 푸른 곰의 이야기는 바쁜 일상을 살아가는 현대인들에게 잠시 멈춰 서서 주변의 자연을 돌아볼 기회를 제공한다. 환경 보호라는 거창한 구호 대신 예술적 감성을 통해 전달되는 작가의 조용한 외침은 전시장을 나서는 이들의 마음속에 묵직한 여운으로 남으며 인간과 자연의 공존에 대한 새로운 화두를 던진다.

 

 

 

문화포털

한일 미술 80년, '친선' 너머의 긴장과 균열

 한국과 일본의 현대미술이 걸어온 지난 80년은 단순한 문화 교류라는 단어로 담아내기에 그 층위가 매우 복잡하고 다단하다. 해방과 패전, 냉전의 대립과 국교정상화라는 거대한 역사의 파고 속에서 양국의 예술가들은 때로는 연대하고 때로는 갈등하며 자신들만의 미학적 지도를 그려왔다. 국립현대미술관 과천관에서 열리는 이번 기획전은 1945년 이후부터 현재까지 이어져 온 양국 미술의 궤적을 하나의 긴 여정으로 재구성하여 관객들에게 선보인다.전시의 서막은 광복 이후에도 일본 땅에 남아 경계인으로 살아야 했던 재일조선인 미술가들의 시선으로 시작된다. 조양규와 곽인식 등은 척박한 현실과 분단의 아픔을 사실적인 묘사와 전위적인 추상 실험으로 풀어내며 정체성에 대한 치열한 고민을 작품에 투영했다. 이들의 작업은 일본 미술계의 일원이면서도 동시에 이방인일 수밖에 없었던 재일조선인의 특수한 위치를 보여준다. 이는 한일 미술사가 서울과 도쿄라는 중심지 너머의 소외된 목소리에서 시작되었음을 상기시킨다.1960년대는 세계적인 비디오 아티스트 백남준을 매개로 양국의 전위예술이 뜨겁게 교차하던 시기였다. 일본에서 미학을 공부한 백남준은 서구권을 무대로 활동하면서도 일본의 예술가들과 끊임없이 교류하며 기존 예술의 권위에 도전하는 파격적인 퍼포먼스를 선보였다. 피아노를 파괴하거나 위성을 이용해 대륙 간의 장벽을 허무는 시도들은 냉전 시대의 기술 문명과 예술이 어떻게 결합할 수 있는지를 보여주는 상징적인 장면들로 남았다.1965년 국교정상화 이후에는 미술 교류가 본격적으로 제도화되는 과정을 거쳤다. 박서보와 유영국 등 한국의 추상미술 거장들이 일본에 소개되었고, 반대로 일본의 현대미술 작가들이 한국 미술계와 접점을 넓히며 상호 영향력을 주고받았다. 특히 대구현대미술제와 같은 지역 기반의 활동은 국가 주도의 공식적인 교류를 넘어 작가 개개인의 비공식적 네트워크가 양국 미술의 저변을 어떻게 확장해 왔는지를 증명하는 중요한 사료가 된다.1990년대에 접어들면서 젊은 작가들은 제도적 틀에 얽매이지 않고 훨씬 자유롭고 감각적인 소통을 시작했다. 나카무라 마사토와 이불 등 당시의 신진 작가들은 국경을 수시로 넘나들며 동시대의 고민을 공유했고, 이는 사이보그 연작과 같은 미래지향적인 신체 담론으로 이어졌다. 이 시기의 교류는 역사적 부채감보다는 기술 문명과 현대 사회의 욕망이라는 공통의 주제 아래 양국 예술가들이 동등한 파트너로서 마주했음을 보여준다.전시의 대미는 2000년대 이후 재난과 혐오라는 공동의 과제에 직면한 예술가들의 연대로 장식된다. 관동대지진의 비극이나 동일본 대지진의 상실감을 다룬 작품들은 타인의 고통을 대하는 예술의 윤리적 태도를 묻는다. 예술가들은 과거의 상처를 외면하지 않으면서도 현재의 혐오 문제를 정면으로 응시하며 대화의 가능성을 모색한다. 43명(팀)의 작가가 참여한 이번 전시는 한일 미술이 지나온 길 위의 균열과 긴장까지도 예술적 자산으로 승화시키며 9월 말까지 이어진다.